Mort d’un des plus grands activistes de la musique indépendante en France

Créateur du fanzine Abus Dangereux et de l’incontournable label Vicious Circle, Philippe Couderc s’est éteint le mardi 22 juin à l’âge de 54 ans.

Le rock indépendant, Philippe Couderc l’avait dans le sang. Natif de Rodez, il grandit entre Montauban et Toulouse où il passe des heures émerveillé, à découvrir l’univers foisonnant de la musique alternative. En 1987, il fonde à Montauban l’un des plus emblématiques fanzines de l’hexagone : Abus Dangereux. Consacré au rock indépendant mais tenant à conserver une ligne éditoriale généraliste et éclectique, le bimestriel ouvre aussi bien ses pages à la pop et au grunge qu’au courant hardcore. Encore actif aujourd’hui, Abus Dangereux a survécu à l’usure du temps qui n’épargne pas la presse rock. Après 157 numéros, il continue de s’imposer comme un titre à la pointe de l’actualité sonore hors des sentiers battus et chaque numéro est accompagné d’un CD depuis 1991.

En novembre 1991, Abus Dangereux troque le 45 tours pour le CD dans son numéro.

En 1993, le montalbanais désire s’imprégner de nouveaux horizons et part pour Bordeaux. Entre les murs d’un étroit appartement s’apprête à naître Vicious Circle, un label qui fera date. Saisissant l’opportunité d’un aide financière alloué à la jeunesse, Philippe Couderc produit le disque du groupe de power-pop bordelais Straw Dogs et marque l’éclosion d’une écurie audacieuse. Vicious Circle se développe rapidement et accueille en son sein une variété d’artistes issus du monde entier (Shannon Wright, Chokebore, Mansfield TYA), sans se circonscrire à aucune chapelle. Un disquaire Vicious Circle est même implanté à Toulouse depuis 1997, et reste depuis plus de vingt ans l’un des repères phares pour les amoureux du label dans la ville rose.

Vicous Circle a établi sa boutique à Toulouse, rue Léon Gambetta.

Farouche défenseur de l’indépendance des artistes, Couderc mène un combat d’activiste . En 2009, il initie avec Vicious Circle la Fédération nationale des labels et distributeurs indépendants (FELIN) et participe à la création du Centre national de la musique en 2020. Il ne fait aucun doute que l’empreinte de ce grand agitateur de la culture alternative va perdurer et inspirer de nouvelles initiatives, affranchies de l’industrie musicale traditionnelle.

Toute la semaine, Les Musicophages rendent hommage à Philippe Couderc. Venez consulter la collection du fanzine Abus Dangereux à Toulouse au 6, rue de la Bourse.

D’un zine à l’autre – L’interview Punkulture 2/2

« Le punk, c’est aussi apporter lumière et humanisme là où il n’y en a pas dans la société. »

Punkulture 3

Punkulture, c’est un fanzine de haute-volée, un incontournable dont aucun punk ne saurait se passer. Édité par le label rennais Mass Productions depuis 2014, il donne à voir dans ses articles pointus un panorama de l’underground fascinant. Suite et fin de l’entretien avec Vincent, fanzineux de la première heure et créateur de l’association bretonne.

Dans le fanzine, la culture punk est passée au crible, aucun sous-genre n’est mis de côté. Peux-tu parler de la diversité de cette scène et de l’engagement de Punkulture ?

Ce sont mes voyages personnels qui m’ont offert cette ouverture, partagée par les potes de la rédaction. Grâce à internet c’est beaucoup plus facile de communiquer avec des correspondants à l’autre bout du monde et de voyager. Parmi mes proches de la scène punk, certains sont partis vivre à l’étranger ou ont visité des pays pendant plusieurs mois. Un ami a vécu en Indonésie, s’est marié dans le pays et a écrit des bouquins où il raconte toutes ses aventures, en particulier la difficulté pour les punks de vivre dans une culture qui leur est hostile. Avec la Mass Productions, j’ai eu la chance de pouvoir voyager à l’île de la Réunion en 2010 dans le cadre d’un échange avec une association. Nous sommes restés en contact avec pas mal de rockers de là-bas et il y a un reportage sur la scène réunionnaise dans le numéro 2.

Ensuite j’ai eu l’opportunité d’aller au Brésil, un grand pays pour la culture punk ! J’ai découvert ses quartiers, les habitants qui ont leurs radios, leurs MJC, avec beaucoup moins d’aide et de liberté qu’ici. C’est très émouvant et ça m’a donné envie d’en parler dans Punkulture. Au niveau de la culture globale et des choix musicaux, c’est une chance d’avoir tous ces gens aux horizons différents dans l’équipe, et je pense que c’est humainement parlant un beau mélange.

Dossier sur le punk en Indonésie, extrait du numéro 5.

Dans le numéro 7, il y a un entretien avec les créateurs de « Never Mind The Wrinkles » qui éditent un blog sur le passage à la cinquantaine. Est-ce important pour le fanzine de cultiver un esprit punk en dehors de la musique ?

Oui, tout à fait ! Par exemple, dans le numéro 7, il y avait le coup de gueule de Titi qui travaille dans le milieu hospitalier. Notre fanzine n’a pas une vocation politisée, mais nous abordons les sujets de la vie quotidienne ou l’évolution du féminisme dans la scène punk. Nous abordons des thèmes qui touchent les punks, parce que parmi eux on rencontre beaucoup de gens humainement sensibles. « Never Mind The Wrinkles » m’intriguait aussi parce qu’Olivier vient de la scène parisienne et il a eu son groupe C.P.P.N. dans les années 90. Il a été prof pendant 10 ans à Moscou et aujourd’hui il est en Bulgarie avec sa femme qui est Australienne, un couple qui vient de contrées bien différentes.

On a la cinquantaine, on a tous vieilli, et quand on rencontre des musiciens qui jouent depuis quarante ans, ça paraît fou ! Tout aussi fou que quand on avait quinze ans et que les Sex Pistols qui en avaient vingt-trois étaient déjà des vieux. Il y a ce côté intergénérationnel et familial qui fait que ma fille relit Punkulture et trouve toujours des fautes qui m’avaient échappées. (rires) Il ne s’agit pas de punk mais d’être bien entre nous, essayer d’apporter lumière et humanisme là où il n’y en a pas dans notre société. Le punk c’est aussi ça, ça n’est pas que de la musique. Ce qui est intéressant dans notre quotidien avec l’association Mass Prod’ c’est que notre local-bureau est situé depuis quinze ans au Jardin Moderne, un complexe comprenant des lieux de répétition, un restaurant et d’autres bureaux d’associations qui n’ont pas la même mission, sont dans des styles différents. L’idée, c’est de bien vivre chaque jour et d’avoir encore des lieux dans vingt-cinq ans où pouvoir faire vivre la musique punk.

Article de fond sur la scène punk féministe, Punkulture 5

En communiquant avec les musiciens étrangers lorsque nous les faisons jouer en France, nous essayons de comprendre comment cela se passe dans leurs pays, car de l’un à l’autre, la différence est énorme, même entre la France et l’Angleterre. Avec le succès du punk dans les années 70 en Angleterre, les petits groupes obtenaient un contrat professionnel même si cela ne durait que six mois, alors qu’en France nous n’avons pas connu ce phénomène. Par contre nous avons eu la chance d’avoir beaucoup d’aides pour la culture et la musique et je pense que les associations intéressées, quel que soit leur style, ont pu y avoir accès. Chez Mass Prod’, nous aimons démontrer que le système français n’a pas que des mauvais côtés.

Au fil de ces années à œuvrer pour Mass Prod’ et Punkulture, tu as fait un grand nombre de rencontres. Quelle est celle qui t’as le plus marqué ?

Ma rencontre avec les Mass Murderers. C’était des gars qui avaient vingt-quatre ans, le même âge que moi, je les ai trouvés très ouverts humainement. Et puis après, il y a le Brésil… C’était très fort de faire la connaissance du trio Devotos, qui est afro-punk. Ce sont des musiciens métissés qui vivent dans une ville où la majorité des richesses sont possédées par les blancs. Depuis la création du groupe il y a trente ans, ils ont joué dans presque tous les états du pays, construit une MJC et une radio, ils font office d’éducateurs en quelque sorte et ont vraiment agi pour l’accès à la culture. Visiter leur ville et assister au carnaval, c’était mémorable. Essayer de créer une paix sociale entre les différentes cultures musicales, reggae ou punk… Une grande ouverture d’esprit.

Mass Murderers

Peux-tu me parler de tes fanzines fétiches, de ceux qui ont influencé Punkulture ?

J’aimerais parler de ceux d’aujourd’hui car ceux d’hier sont difficiles à trouver. Dans les années 90, il y avait des fanzines très sympas en Bretagne. Karok mettait à l’honneur la scène avec laquelle on jouait tous les week-ends avec beaucoup d’humour. Stérozine était le zine des Stéroïds qui avaient un collectif de groupes punks à Besançon. Dans les fanzines d’aujourd’hui j’aime beaucoup La Bête, qui est un des plus créatifs en matière de collage et découpage. Je lis souvent Rotten Eggs Smell Terrible qui vient de Millau. C’est punk et j’aime beaucoup son côté découpage, fabriqué à l’ancienne.

Chéribibi incarne pour moi la grandeur absolue en langue française, mais ses sujets me touchent moins parce que ça va très loin dans le cinéma, la culture des sports de combats. Sinon, là j’ai sous la main le skinzine La France aux Nantais, c’est vraiment bien lisible et plein de bons articles. Dans le noir et blanc, j’ai beaucoup aimé Karton de Toulouse, rédigé par une équipe de jeunes qui jouent dans Krav Boca, un groupe qui tourne dans pas mal de pays. C’est très intéressant car ça mélange punk et hip-hop, avec des interviews de gens impliqués socialement dans des projets humanistes ou anti-racistes dans les pays où ils ont eu l’occasion de voyager.

Le fanzine toulousain Karton, créé par le groupe Krav Boca.

Tu as participé à plusieurs rencontres autour du fanzinat, comme les « BAR ZINES », organisé par Coxs qui a créé La Bête. Qu’est-ce que ces rencontres autour du fanzinat t’ont apporté au fil du temps ? Quel genre d’échange ou de réflexion en découlent sur le milieu, ou la façon de fabriquer, diffuser les zines ?

Ce sont des moments de repos et de rencontres. Des journées où il n’y a pas de fausses joies, où on va pour être entre nous. On retrouve des gens qu’on ne voit qu’une fois par an. Le sentiment qu’il me reste de ces moments-là, c’est que ça n’est pas si évident d’aller vers l’autre. Il faut faire le tour des différents stands, prendre le temps d’échanger avec chacun. Il y a toujours deux ou trois amis avec qui on va discuter pendant des heures. On ne va pas forcément créer des liens avec tout le monde, mais c’était une journée importante pour moi, d’être auprès de Coxs qui a créé une fanzinothèque à Paris. À Rennes, nous avons une réunion de fanzines, au Bar à Mines, et ça permet de rencontrer une dizaine de locaux. J’ai aussi participé à une journée P.I.N.D : Punk Is Not Dead. Ce sont des universitaires qui se déplacent dans toute la France pour récolter des témoignages historiques.

J’aime également rencontrer des gens qui ont fait des fanzines il y a trente ans, échanger avec eux sur l’aspect manuel de leur construction. Je pense que c’était une belle époque pour le fanzinat papier, car les infos du réseau restaient très confidentielles. Les grandes stars ont toutes leurs fanzines, elles ne sont pas uniquement dans Voici. Quand j’étais gamin, j’ai fait des fanzines sur des sujets qui m’intéressaient, et je les ai gardés à la maison, ce sont des exemplaires uniques. C’est un art de décider, tu prends ta plume, tu fais ton petit cahier, t’écris tes textes, tu colles tes photos à côté… C’est une forme d’artisanat artistique. En France, quelques associations comme la vôtre travaillent sur l’archivage des fanzines, c’est important.

Interview de Coxs, créatrice de La Bête, Punkulture 5

Un livre sur Mass Prod’ est en préparation…

C’est la suite du premier confinement qui dure depuis mars, dès l’instant où les concerts se sont arrêtés. Une de nos activités principales était d’aller tous les week-ends vendre des disques et des tee-shirts en festival. Le numéro 7 de Punkulture est sorti en avril 2020 et très vite nous nous sommes retrouvés avec peu de choses à faire, à part la vente par correspondance. Nous étions moins fatigués que les années précédentes et l’idée d’écrire un livre sur les vingt-cinq ans de l’association est venue de ce temps libre. Avec les membres du bureau, on s’est dit que ça valait le coup de fouiller dans les archives qui s’entassent depuis la création du label. En traînant dans les dossiers, j’ai relu notre parcours, avec tous ces CD remplis de photos… Le site internet de la Mass Prod’ existe et est mis à jour depuis vingt ans, c’est un fil rouge pour le sommaire du bouquin.

Avec le livre, nous allons essayer de présenter l’aspect technique et historique de l’association, ses membres, le fonctionnement, la fabrication des disques. C’est l’histoire de la rencontre entre Mass Prod’ et cent trente groupes qui ont sorti un album avec nous, les photographes et les graphistes. Si tout va bien, le livre sortira à l’été 2021.

Que peut-on souhaiter de meilleur à Mass Prod’ et Punkulture ? Qu’as-tu envie de dire aux lecteurs de cet article ?

N’hésitez pas à vous renseigner sur notre site internet, www.massprod.com, vous pouvez y découvrir l’histoire de l’association. Il y a de la musique, des photos, des tas de petites histoires, et peut-être que vous connaîtrez des groupes qui sont sortis chez nous.

Il y a aussi un hommage à faire à tous les labels avec qui la Mass Prod’ a travaillé et fait de la co-production. Quand on sort un album, ça nous arrive de nous regrouper avec d’autres labels pour que le disque soit distribué en Angleterre, en Allemagne, ou ailleurs. C’est une histoire de confiance et c’est grâce à ces partenariats que le label a pu se développer et se maintenir. Avec la même somme d’argent on n’aurait peut-être pu sortir que deux albums dans l’année, mais grâce à eux, on a sorti jusqu’à dix ou douze albums.

Ce qu’on peut souhaiter à la Mass Prod’, c’est d’exister dans cent ans ! On voudrait que bien après nous, des jeunes prennent la suite et que le message reste intentionnellement le même, c’est-à-dire faire vivre le punk en Bretagne, dans son aspect musical et festif, politiquement humaniste, sans tomber dans les extrêmes. Concernant Punkulture, encore au moins vingt-cinq numéros pour les vingt-cinq prochaines années, ça serait déjà bien.

Punkulture 3, quatrième de couverture.

La collection intégrale de Punkulture est en libre consultation aux Musicophages.

Retrouvez la première partie de l’interview Punkulture ici.

Retrouvez toute l’actualité de Mass Prod ici et

Pour plus de musique : massprod.bandcamp.com

D’un zine à l’autre – L’interview Punkulture 1/2

« Pour se procurer des fanzines au format papier, il faut prendre conscience de leur existence. »

Punkulture 8

Punkulture, c’est un fanzine de haute-volée, un incontournable dont aucun punk ne saurait se passer. Édité par le label rennais Mass Productions depuis 2014, il donne à voir dans ses articles pointus un panorama de l’underground fascinant. Pour découvrir ses secrets de fabrication, Les Musicophages sont partis à la rencontre de Vincent, aux manettes de l’association bretonne depuis vingt-cinq ans.

Peux-tu te présenter et nous parler de ton parcours ?

Salut, je suis Vincent, j’ai cinquante ans. J’ai découvert la musique punk en 1983, vers l’âge de treize ans. À la fin de mes études, j’ai eu la chance de bosser dans une radio associative de Caen, Radio 666. Pendant cette période, j’ai eu deux groupes de musique et quand je suis arrivé à Rennes, en 94, ma passion c’était déjà de faire fabriquer des disques. C’est ma rencontre avec le groupe Mass Murderers qui m’a permis de réaliser cette démarche de façon authentique, puisque je suis devenu manager du groupe qui tournait énormément les week-ends et avait pas mal de supporters.

C’est à partir de cet évènement que Mass Prod’ est né ?

Oui, on a créé la Mass Productions de façon officielle en 1996. Nous avons commencé, en 95, par créer des disques pour le groupe et organiser des concerts avec Barket’s Records, une association de Rennes. Depuis vingt-cinq ans qu’elle existe, la Mass Prod’ a fait son chemin en produisant trois cents disques et plus de trois cents concerts. L’association a donné du travail à une dizaine de personnes depuis 1996, et je suis même son plus ancien salarié puisque j’ai signé mon premier contrat en 98.

Quel est ton lien avec le fanzinat ?

Le fanzinat et moi, c’est une longue histoire. J’ai découvert les fanzines et les feuilles d’infos vers l’âge de seize ans. J’ai commencé à écrire des articles au début des années 90 pour le fanzine de Radio 666. J’écrivais des billets sur les groupes punks anglais que j’aimais, comme les Ruts ou Stiff Little Fingers, mais aussi des comptes-rendus de concerts de tournée en Bretagne. La Mass Productions s’est développée et j’ai commencé à collecter beaucoup d’extraits de fanzines et les press-books des groupes pour la promo du label. J’étais amené à en lire très souvent à une époque où internet n’existait pas encore. Mass Prod’ achetait parfois des encarts publicitaires dans des fanzines ou magazines, comme Punk Rawk qui était un média très important pour notre réseau punk français à l’époque. Il avait été créé par un passionné, issu du fanzinat, c’était un magazine professionnel qui présentait aussi bien les « petits » groupes français que les « grands » américains. Vers 2008, Punk Rawk s’est arrêté et les fanzines se sont développés sur internet, même s’il en reste pas mal sur papier.

Numéro spécial de Punk Rawk édité en 2018, dix ans après la fin de sa publication

Qu’est-ce qui a déclenché la création de Punkulture ?

On avait des échanges réguliers avec le fanzinat, puis un jour de 2014, avec le vice-président de Mass Prod’ et ami Yannick, on discutait de la chance qu’on avait de vivre cette aventure depuis vingt ans. L’idée de créer un fanzine a émergé. C’est parti d’une petite blague, une étincelle entre copains, et aujourd’hui on se retrouve avec huit numéros. En sept ans, on a beaucoup évolué depuis le numéro initial, je crois. Aujourd’hui, on a une pagination bien remplie d’infos, toujours en couleur avec de la photo, mais avec un contenu plus intéressant et profond.

L’intérêt de Punkulture, c’est un travail collectif, proposer à une dizaine de vieux amis de la scène punk et d’horizons différents d’écrire : ceux qui ont soixante ans et écoutent du punk depuis 77, les jeunes, les collectionneurs, les voyageurs… Pour chaque numéro, on essaie de mettre un petit coin du monde sous les projecteurs. La Birmanie, la Finlande, ou bien Toulouse dont la scène punk m’a beaucoup plu ! C’est le fruit de nos expériences personnelles et cela donne j’espère un contenu riche avec cette belle équipe. Nous avons fait le choix de rester sur une publication par an, ça nous laisse plus de temps pour la distribution. Cela n’est pas facile d’élargir nos dépôts-ventes et notre réseau de distribution, c’est la raison pour laquelle nous avons commencé à diffuser sur Toulouse en 2020 seulement, maintenant que nous comptons un membre qui y habite.

Reportage sur la scène punk en Birmanie, Punkulture 5

Pourquoi est-ce aussi difficile de distribuer et de diffuser son fanzine ?

Les frais d’envoi de la poste constituent un frein et il faut qu’une personne ait envie de faire le suivi dans chaque endroit. Maintenant, nous avons quelques correspondants à Bordeaux, Toulouse, Chambéry, Clermont-Ferrand, Paris. Les gens qui écrivent pour le fanzine prennent un stock et le distribuent chaque année, c’est beaucoup plus facile pour nous. Une des difficultés d’aujourd’hui, c’est qu’on passe beaucoup de temps sur nos réseaux sociaux, et que pour se procurer des fanzines au format papier, il faut prendre conscience de leur existence. Depuis le début nous ne proposons pas d’abonnement pour rester libre. Si un jour on ne peut pas sortir de numéro pendant deux ans, on n’aura pas de justifications à donner à nos correspondants. La distribution se fait petit à petit et aussi grâce à des labels français spécialisés comme Dirty Punk, un label de l’est qui existe depuis plus de vingt ans ou Une vie pour rien, label axé sur la musique oi! et ska de Nantes. D’année en année, ça s’affine et c’est très agréable.

Qui sont les rédacteurs de Punkulture ?

Ils sont très heureux comme moi de pouvoir participer à cette aventure, et j’ai sous les yeux le sommaire du numéro 8 avec un dossier sur la Russie. Il y a Redj de Malestroit qui aime chroniquer des disques et réaliser des interviews de groupes français actuels et passés, Jean-Noël Levavasseur qui écrit aussi pour Abus Dangereux depuis longtemps et est journaliste chez Ouest-France, Bertel de Rennes a son label de oi!, Primator Crew, et pour Punkulture 8 il a écrit sur la scène oi! Russe. Samuel Etienne alias Seitoung est conférencier sur l’histoire des fanzines et a publié Bricolage Radical, un documentaire papier sur la fanzinat dont il a sorti deux volumes.

Sommaire de Punkulture 8.

Le numéro 8 accueille un invité spécial, Olivier Fenestraz, qui n’interviewe que des gens qui ont plus de cinquante ans pour son blog « Never Mind The Wrinkles » qui signifie « on s’en fout des rides ». J’ai pris cinquante ans cette année, et c’est comme ça que j’ai été amené à le rencontrer. Il a vécu pendant dix ans à Moscou et fait un portrait de la scène de la ville telle qu’il l’a connue. Il y a aussi Marcor de Bruxelles qui est fidèle depuis le départ, dans les années 90 il publiait Aredje, feuille d’info et label. On s’est croisés il y a plus de vingt ans sur les concerts et quand on a créé Punkulture ça paraissait logique qu’il participe, d’autant qu’il a une écriture originale où il nous retrace son année de concerts (sauf pour 2020 !). Il y a Blam-Blam de Rennes, qui aime les groupes avec une touche garage, Tortue du label Ronce Records que je croise chaque année au festival Zikenstock dans le Nord de la France, Leo qui a aussi l’émission de radio et le fanzine 442ème rue, il aime écrire des articles biographiques sur la scène punk-rock 77. Mumu de Béziers a son label Has Been Mental, elle a été chanteuse dans La Meute et La Bande à Kaader.

BB Coyotte de Paris réalise des interviews et crée des dessins à partir de découpages et collages. Steph et Marylène de Rambervilliers (88) ont leur label Déviance et leur émission radio, axé punk hardcore et un second label nommé Kanal Hysterik, pour parler des groupes français comme Diego Pallavas. Laurent de Bordeaux avait son fanzine L’Oreille Cassée dans les années 90, il aime le punk-rock alors que Hugauze de Montpellier est dans le hardcore, il a vécu pendant des années aux États-Unis. À chaque numéro, nous avons une rubrique sur les groupes féminins, et le dernier numéro met à l’honneur Manon Labry, l’auteure de Riot Grrrls: Chronique d’une révolution punk féministe dans une interview. Il y a encore dans l’équipe le Doc Beer Beer avec ses chroniques sur le ska, il est le chanteur du groupe ska-rock Beer BeerOrchestra. Au niveau des chroniques, dans la mesure où ça reste dans l’esprit punk, il n’y a pas trop de limite musicale.

Compilation « Girlz Disorder » éditée par Mass Prod

Combien de temps faut-il en moyenne pour réaliser un numéro ? Quels sont les secrets de fabrication de Punkulture ?

C’est un petit cycle. Début septembre, j’écris un mail aux correspondants pour qu’ils me dévoilent le sujet de leur article, à m’envoyer pour fin décembre. Il y a toujours quelques retardataires alors je repousse jusqu’au 15 janvier. Agnès, notre service civique de cet hiver, s’occupe de « rafraîchir » la mise en page, ce qui apporte de la nouveauté dans la façon de présenter les articles. Une fois que tout est relu et que les fautes d’orthographe ont été chassées (argh!), nous passons commande à l’imprimerie pour que le fanzine puisse sortir en mars ou en avril. À partir de ce moment, c’est l’envoi des paquets aux correspondants pour qu’ils les distribuent et tout va très vite. Quand on reçoit les cartons, ça repart aussitôt à Béziers, Nancy… Nous avons la chance d’avoir un ami qui travaille sur Paris et fait des allers-retours souvent. Il distribue Punkulture dans les principaux points de vente comme Parallèles, la librairie alternative parisienne connue depuis des dizaines d’années. De juin à août on a trois mois de repos, puis on relance la machine.

Ça, c’est le planning de 2020, un peu différent des autres années, parce qu’avant le fanzine sortait à la fin de l’année. Avec le confinement en mars, les gens s’ennuyaient beaucoup alors on a décidé de réaliser le numéro plus tôt que d’habitude. L’idée c’est de sortir un numéro par an alors que ce soit en avril ou en novembre, ce n’est pas grave.

Lors de chaque nouveau numéro, Punkulture est édité à mille exemplaires, ce qui est énorme pour un fanzine aujourd’hui. J’ai rencontré plusieurs fanzineux qui me racontaient leurs difficultés pour écouler le stock, ce qui ne semble pas être le cas de Punkulture.

C’est vrai que c’est beaucoup, même si le numéro 7 n’a été tiré qu’à sept cent cinquante exemplaires. Quand on regarde les tarifs d’imprimerie, il y a peu d’écart entre cinq cent et mille, c’est aussi le cas quand on fait fabriquer les albums. Pour avoir cinq cents disques, tu vas payer mille euros, alors que pour en avoir mille, tu n’as que deux cents euros à ajouter. En plus de ça, si l’on n’imprime que cinq cents Punkulture le stock s’écoule trop vite, or notre objectif c’est de pouvoir offrir des fanzines à tous les participants, les groupes qui sont en photos, interviewés, ou qui ont un de leur disque chroniqué. Pour chaque numéro, un dessinateur crée la couverture, il n’est pas payé mais reçoit un stock. Il nous reste encore des exemplaires du premier numéro sorti il y a sept ans et à chaque nouvelle parution, des gens commandent l’intégralité de la collection. C’est donc agréable d’avoir toujours les premiers en stock.

Mille exemplaires, ça n’est pas si énorme quand on voit que Chéribibi est tiré à deux mille cinq cents ou trois mille exemplaires. Un magazine comme Punk Rawk était imprimé à plus de vingt mille exemplaires à l’époque, mais il touchait un public plus large, était distribué dans les kiosques. On a essayé de diffuser Punkulture par l’intermédiaire de notre distributeur de disques, Coop Breizh, qui est connu en Bretagne. Le fanzine ne rentrait pas dans la case livre ni disque (même avec le CD présent dans les N°4 et 5) donc c’était ingérable, et la mise en vente par un réseau plus large dans les kiosques serait trop exigeante, donc on va rester Do It Yourself ! Ça n’est pas exclu qu’on fabrique de nouveau mille Punkulture, mais pour le prochain on va rester à sept cent cinquante.

Punkulture 5 avec sa compilation

Vous avez intégré une compilation CD à partir du numéro 4. Est-ce que c’était une idée que vous aviez depuis le début ou qui s’est développée par la suite ?

On ne voulait pas mettre de CD du tout ! (rires) En 2016, nous avons organisé un festival où nous avons perdu vingt mille euros. Notre ami Manu du Studio Camembert, qui adore enregistrer les live, avait ramené sa table de mixage et enregistré tous les groupes du week-end de cette Fiesta La Mass. Sans budget après ce festival très déficitaire, nous ne pouvions pas sortir la compilation, mais Manu est tellement passionné qu’il a mixé les morceaux. Nous nous sommes donc retrouvés avec ce CD compilation en 2017, et comme les finances de l’association remontaient et que le numéro 4 de Punkulture était en train de prendre corps, nous avons décidé de mettre le disque en cadeau avec le fanzine. C’est comme ça qu’il s’est retrouvé emballé à la fin du numéro, ça avait de la gueule, mais c’était compliqué à emballer. On voulait que le disque ait vraiment sa place dans le zine, avec une pochette, un autocollant…

Pour le numéro suivant, nous avons gardé l’idée, mais cela rend le fanzine rigide, on ne peut pas le plier à cause du CD. Avec ce numéro 5, il s’agit d’une compil’ où il y a tous les groupes qui sont dans le fanzine : des groupes obscurs des années 80 qui n’ont jamais sorti de morceaux, la scène punk hardcore féminine du Brésil ou d’Indonésie… À partir du numéro 6 on voulait conserver l’idée d’un fanzine facile à transporter, à distribuer, et surtout on voulait que ça reste à cinq euros donc on a lâché cette histoire de disque. La formule des deux derniers numéros va rester la même : cent pages avec une petite couche de vernis sur la couverture pour donner un côté brillant.

La collection intégrale de Punkulture est est libre consultation aux Musicophages.

Retrouvez la deuxième partie de l’interview Punkulture ici.

Retrouvez toute l’actualité de Mass Prod ici et

Pour plus de musique : massprod.bandcamp.com

Le Piano Day s’invite aux Musicophages

Pour fêter la journée internationale du piano le lundi 29 mars, Les Musicophages vont transmettre en direct sur Facebook le concert donné par les talentueux compositeurs Iscle Datzira et Lorenzo Naccarato, diffusé gratuitement à partir de 19h30.

Pour l’amour du piano

Cette année, Les Musicophages célèbrent le Piano Day. Créé par le musicien, compositeur et producteur berlinois Nils Frahm en 2015, cet événement dédié aux amoureux du clavier se déroule le 29 mars, quatre-vingt-huitième jour de l’année, en référence au nombre de touches de l’instrument. L’envie de l’artiste allemand de consacrer une journée spéciale à son instrument de prédilection naît du désir de mettre en lumière tous ceux qui honorent le piano, qu’ils soient dilettantes ou professionnels : interprètes, compositeurs, fabricants, accordeurs ou auditeurs.

En 2014, il demande au fabricant David Klavins de concevoir pour lui « Una Corda », piano de moins de cent kilos doté de marteaux ne frappant qu’une corde au lieu de trois habituellement pour chaque note. Il n’est donc pas étonnant que le compositeur adepte d’expérimentations offre de la visibilité à la diversité des projets qui font résonner les mélodies du clavier dans le monde entier. Chaque année depuis la création du Piano Day, Nils Frahm concocte une playlist avec les titres de différents artistes, diffusée le jour même sur les plateformes de streaming musicales, avec des extraits inédits à la clef. En 2020, la sélection comprenait les morceaux de grands compositeurs tels que Max Richter, Ryūichi Sakamoto ou encore Ólafur Arnalds. Que nous réserve-t-il pour 2021 ?

En attendant son florilège de cette année, nous vous présentons d’ores et déjà les prestigieux artistes Lorenzo Naccarato et Iscle Datzira, qui ont tous deux suivi un acompagnement chez Les Musicophages et mènent désormais une carrière internationale. Ils se produiront dans nos locaux au 6, rue de la Bourse à Toulouse. Si le contexte actuel ne nous permet pas d’accueillir de public, qu’à cela ne tienne, le concert sera filmé et diffusé en direct sur Facebook, de 19h30 à 21h. L’événement est gratuit et vous pourrez y assister confortablement depuis votre canapé.

Le piano « préparé » de Lorenzo Naccarato

Le pianiste Lorenzo Naccarato s’empare du jazz actuel et des musiques répétitives pour créer des passerelles entre impressionnisme et minimalisme. Diplômé de musicologie en jazz et musiques improvisées, il poursuit sa formation auprès de jazzmen qui inspirent son jeu : Enrico Pieranunzi, Claude Tchamitchian ou encore Andy Emler. À Toulouse, il collabore avec la Cinémathèque où il participe à des ciné-concerts et réalise des « concert-dessinés » pour le festival littéraire Le Marathon des mots, où il rend hommage à Nina Simone ou Thelenious Monk.

Lorenzo Naccarato

Riche d’une expérience en solo et en trio, il fonde le Lorenzo Naccarato Trio en 2012 avec le contrebassiste Adrien Roguez et le batteur Benjamin Naud qu’il rencontre pendant ses études. Ensemble, ils façonnent des compositions influencées par le jazz de Robert Glasper et Christian Scott, la musique répétitive de Philip Glass ou encore le registre impressionniste de Debussy. Ils sortent leur premier album Lorenzo Naccarato Trio sur le label Laborie Jazz (Sébastien Farge, Diederik Wissels) en 2016. La réception du public est enthousiaste et donne lieu à une tournée internationale en Inde, Chine et Équateur. Leur deuxième album, Nova Rupta, voit le jour en novembre 2018.

Pour cette première édition du Piano Day organisée par Les Musicophages, Lorenzo Naccarato, explorateur de sonorités inédites, donnera une performance en solo avec son piano « préparé ». Ce concept popularisé par John Cage en 1937 consiste à modifier le son de l’instrument en installant dans les cordes du piano une variété infinie d’objets tels que des boulons, des vis, du tissu… C’est ce que l’on appelle la « préparation ». Cette technique chère à la musique contemporaine et improvisée éclaire la dimension artisanale du piano, instrument que l’on peut s’approprier d’une diversité de manières.

Piano préparé de Lorenzo Naccarato avec des bandes aimantées, des pinces à linge et un filtre à café

Vibrations improvisées avec Iscle Datzira

Natif de Barcelone, ce virtuose de la musique s’initie aux instruments à vent, saxophone, clarinette et piano alors qu’il n’a que sept ans. Adolescent, il commence à composer ses propres morceaux, nourri d’une vaste palette sonore qui s’étend du jazz aux musiques expérimentales. Après des études à l’institut artistique barcelonais Oriol Marterel où il est diplômé de saxophone et musique classique, il poursuit son cursus à l’école Music’ Halle de Toulouse et au Conservatoire d’Amsterdam. Quelques mois plus tard, il met fin à son parcours à l’université pour se consacrer à une recherche musicale plus personnelle autour des vibrations.

Iscle Datzira

En 2016, il représente l’Espagne lors du concours international de composition « Maurice Ravel » où il est finaliste. Membre de nombreux big bands lors de festivals comme Jazz In Marciac, il collabore avec des artistes de renom, à l’instar des Américains Jesse Davis et James Carter, qu’il accompagne sur scène ou en studio. À peine âgé de vingt-cinq ans, le saxophoniste multiplie les projets et a une discographie très fournie, signant sa participation sur quatorze opus. Pour son premier album solo Lyricism on 432Hz-Tuned Tenor Saxophone sorti chez Temps Records en 2018, il se prête à un exercice particulier en créant un son singulier en 432 Hertz qui rappelle l’accordage vintage de la première moitié du vingtième siècle. En 2020, il édite Turu, deuxième album solo où neuf morceaux se succèdent en douze minutes qui transportent l’auditeur au bord de la mer.

Pour le Piano Day des Musicophages, Iscle Datzira livrera une improvisation inédite, armé de son piano, saxophone et looper – machine qui permet de reproduire, arrêter ou démarrer une boucle. Cela offre au musicien la liberté de jouer et superposer d’autres notes aux sons enregistrés avec le looper.

Pour ne rien manquer du piano préparé de Lorenzo Naccarato et des improvisations entêtantes d’Iscle Datzira, rendez-vous le 29 mars à 19h30 sur le Facebook des Musicophages.

Site officiel du Piano Day

Site Officiel de Lorenzo Naccarato

Facebook d’Iscle Datzira

D’un zine à l’autre – L’ interview Dead Groll

« Le fanzine, c’est le magazine que tu te passes sous le manteau, une alternative à la presse officielle. »

Les Musicophages inaugurent une nouvelle rubrique dédiée à l’actualité des fanzines. Plongez au cœur d’une série d’entretiens avec les passionnants créateurs de ces publications papiers artistiques, libres et loufoques… Pour cette première entrevue, nous avons donné rendez-vous à Éléonore Rochas, qui a créé le fanzine Dead Groll, consacré au punk et au garage. Interview certifiée sans langue de bois !

Peux-tu te présenter et nous dévoiler l’histoire de ton fanzine Dead Groll ? Comment as-tu eu l’idée de le créer ?

Je traîne mes savates dans le milieu musical depuis que j’ai 14 ans, à Périgueux, où j’ai assisté à mes premiers concerts et monté mon premier groupe avec des copains. On avait créé un petit fanzine avec Anthony (Blank Slate, Snappy Days) et Delphine (activiste de la scène punk rock bordelaise aujourd’hui). Il s’appelait Kids Of The Black Hole, en référence à la chanson de The Adolescents. On n’a fait qu’un seul numéro, mais cette expérience m’a plu alors j’ai voulu faire mon propre zine, Dead Groll. Je suis partie neuf ans à Toulouse où j’ai continué le fanzine à une fréquence variable. Et me voilà de retour à Périgueux, où je viens d’être embauchée à la salle de concert, le Sans Réserve.

Kids Of The Black Hole, le premier fanzine d’Éléonore

Le nom Dead Groll est un clin d’oeil aux chaussures usées pendant les concerts. Sur la couverture tu décris le fanzine comme un « primitif punk zine »… De quoi s’agit-il ?

Le « primitif punk zine » c’était une accroche du superbe Didier Progéas (dessinateur-punk-rockeur toulousain), qui est à l’origine des quatre premières couvertures. J’ai aimé, j’ai gardé. Quand au titre, Dead Groll fait référence à Dave Grohl, le batteur de Nirvana, qui joue maintenant dans le groupe dont je ne suis franchement pas fan, d’où le “Dead Grohl”. Et le changement de “Ghrol” en “Groll » est en clin d’œil aux pompes défoncées, aux converses usées, aux Doc Marten’s délavées.

Dans les premiers numéros, tu t’occupes de la majeure partie de la rédaction et de la réalisation du fanzine, mais peu à peu, de nouveaux collaborateurs apparaissent, une évolution se dessine. Qui sont-ils et comment fonctionnez-vous ?

Pour les huit premiers numéros, je m’occupais du sommaire et de la ligne éditoriale (si tu me permets d’utiliser ce terme carrément pompeux), des articles et de la mise en page, puis je demandais aux personnes intéressées dans mon entourage d’écrire un papier. C’est pour ça qu’à chaque numéro, des contributeurs différents ont répondu à l’appel. En revanche, Hervé Labyre, de Périgueux, écrit pour le fanzine depuis le début et je l’en remercie, il m’a pas mal soutenue ! Pour le dernier numéro, ça a été totalement différent car j’ai laissé les “chroniqueurs/auteurs” choisir leur article. Une sorte de carte blanche. De belles plumes du rock’n’roll se sont prêtées au jeu. Un gros merci à Alain Feydri, Patrick Foulhoux, Marc Sastre, Nicolas Mesplède, Joël Calatayud, Jeff de la maison d’édition les Fondeurs de briques, Pierre-Jean, Bog Mallow, Jack Breton, Dom Génot, Stéph des Jazz Goules et j’en passe… Ils ont bien soutenu le bouzin et sont chauds pour continuer… ça y est, je crois que j’tiens une belle équipe !

Tu as créé Dead Groll en 2015, et 9 numéros ont été publiés depuis. Le modèle a évolué entre le numéro 8 et le numéro 9, puisqu’il est passé d’un format A5 à un format A4 bien plus épais. Quelles sont les différentes étapes de réalisation du fanzine ?

Ce changement a eu lieu pendant le confinement. Plus de temps, plus de choses à dire, l’envie de faire autre chose. C’était l’occasion de relancer le fanzine, lui donner un nouveau souffle car le dernier numéro datait de trois ans déjà. Branchée sur fréquence zéro, je ne me suis jamais imposée de contrainte quant à la parution du zine.

J’ai envoyé un mail aux personnes succeptibles de participer et au fur et à mesure que je recevais les articles, je les mettais en page sur Indesign. Il y a eu plusieurs relectures et corrections. Le travail de collecte des articles et de relecture a pris environ un mois et demi. Un énorme merci d’ailleurs à Nico qui a écrit pléthore d’articles dans ce numéro et qui a relu le fanzine de nombreuses fois et de A à Z (contrairement à moi qui n’ait pas cette patience et minutie).

Pour ce numéro 9, on a expérimenté une nouvelle forme : mettre une première version du Dead Groll en libre accès sur Internet, avec des liens sur les photos sur lesquels tu peux cliquer. Quand on lit un fanzine, on n’a pas forcément l’ordinateur à côté et on ne pense pas toujours à aller écouter les groupes ensuite. Avec cette version c’est plus pratique, on peut survoler les pages et cliquer sur les cases qui permettent de faire des découvertes. On a eu là-dessus de nombreux retours positifs. Dans un second temps, la version papier qui coûte cinq euros est arrivée. C’est plutôt cool de donner un aperçu du contenu du fanzine en ligne et si ça plait, de pouvoir le commander ou de l’acheter (parce que, ouais, c’est carrément super chiant de lire un fanzine sur un écran).

As-tu envie de poursuivre avec ce format-là ou as-tu envie de revenir à l’ancien, plus old-school ?

Les huit premiers numéros étaient en format A5, des petits formats de poche. Le numéro 9 est passé en A4. C’était un peu aussi un clin d’œil à Dig It!, ce dernier numéro étant d’ailleurs dédié à Gildas Cospérec, son fondateur. Je pense que cette formule-là marche mieux : on gagne en crédibilité. Le fanzine passe peut-être moins inaperçu. Pour la suite, je pense conserver ce format. Mais j’aime aussi le côté poche, en noir et blanc, fait à “l’arrach’ avec des fautes dedans”. J’aimerais bien en faire un autre… plus PUNK ! Oh mais ça tombe bien un nouveau con-finement nous tombe sur la gueule… ça va peut-être être l’occasion. Il pourrait s’appeler “Muselière” (haha).

À combien d’exemplaires ce numéro a-t-il été tiré, et où le distribues-tu ?
Je commence avec 50 exemplaires, et j’en réimprime au besoin. Il ne faut pas se leurrer, même si les gens adhèrent au projet, ça ne veut pas dire pour autant qu’ils vont aller se le procurer. Il n’y a pas grand monde qui achète des fanzines aujourd’hui, et même les groupes qui sont interviewés ne se donnent pas toujours la peine de les chopper. À Toulouse, j’ai distribué Dead Groll chez les principaux disquaires : Armadillo, Vicious Circle, Croc’Vinyl et au Laboratoire. Je l’ai laissé à La Démothèque à Périgueux car, j’y tiens, c’est un fanzine périgo-toulousain : mes deux villes Rock’n’Roll !

Les interviews et les articles ont parfois un langage oral marqué, très punk, sans langue de bois. Est-ce qu’on peut y voir une volonté de transcrire une parole que même la presse musicale spécialisée ne révèle pas ?

Le fanzine prends le contre-pied du magazine type Rock’n’Folk ou autres Rolling Stones. Il n’y a pas de censeur, ses pages ne sont pas réservé à une “élite”. Le fanzine, c’est le magazine que tu te passes sous le manteau, c’est une alternative à la presse officielle. Avec un fanzine tu peux tout dire, dans le fond et la forme. Des fanzines écrits tout à la main, d’autres en collage, en dessin, en poésie… Il existe un éventail tellement large de superbes choses qui se font de part le monde… Le fanzine c’est la liberté !

Tu attaches une importance centrale aux scènes indépendantes locales, et tu n’hésites pas à te déplacer dans la région. Est-ce que ces rencontres ont fait évoluer ton regard sur ces structures vitales pour la musique indépendante ? Qu’as-tu appris à leur contact ?

Énormément de choses! J’ai commencé à fréquenter la scène punk-rock, assez jeune, à Périgueux avec des gens plus âgés, donc j’étais entourée de mentors ! Le constat ? Un putain de vivier de groupes et beaucoup d’initiatives rock’n’roll. Et tout ce tissu associatif ayant comme fil rouge le “Do It Yourself” : une culture alternative menée de front par de beaux personnages locaux et passionnées jusqu’en dessous des ongles… Les fanzines, les cafés-concerts, les répétitions dans les garages, les premiers concerts, et tous “ces grands” qui impressionnent ! C’était juste tellement géant pour être nommé. Franchement, quelle plus belle ligne de vie ? Organiser des concerts et faire jouer des groupes inconnus au bataillon, mais dont tu es archi-fan, (en se débrouillant sans aucune aide financière, sans faire aucun profit voire en étant même le plus souvent à perte, si ce n’est “toujours”) pour faire bander entre 3 et 50 personnes… c’est magique. La culture underground me fascine beaucoup. Tout le monde devrait pouvoir au moins une (putain de) fois dans sa vie mener une réflexion sur “l’indépendance”. C’est un si beau concept, mais qui peine tellement à (re)trouver sa place dans la société actuelle.

Tu as interviewé un certain nombre de groupes cultes. Quelle est la rencontre qui t’as le plus marquée dans le fanzinat, et pourquoi ?

J’ai envie de répondre que ce sont tous les groupes des deux premiers numéros qui m’ont marquée parce que c’était les premières interviews et que je prenais ces rencontres très à cœur. J’enregistrais les zicos sur mon téléphone et on discutait pendant longtemps, en buvant des bières. C’était Rock’n’Roll. La retranscription qui s’ensuivait était bien plus laborieuse, mais ces moments restent intacts. Pour citer une des rencontres qui m’a vraiment marquée , sans hésiter : THE ADICTS, un de mes groupes punk-rock favoris de la fin des années 70. C’était après leur concert au Divan du monde à Paris en 2015, 2016 peut-être ? Je sais plus. Mais c’était de la folie.

THE ADICTS : une rencontre marquante….

Ce numéro 9 rend hommage à Gildas Cospérec qui a créé le fanzine Dig It!. L’édito écrit par Alain Feydri lui est consacré. Quelle a été son influence sur ton fanzine ?

C’est un homme que j’admire énormément et que j’appréciais beaucoup. Gildas, c’était le mentor de beaucoup de toulousains. Je me souviens qu’il m’avait interviewée pour la sortie d’un numéro de Dead Groll il y a cinq ou six ans. Il a toujours été très encourageant pour la relève, touché par les nouvelles initiatives. Dès que les jeunes rockeuses et rockeurs organisaient des concerts (au Ravelin, le plus souvent, the best place ever in Toulouse) il diffusait toutes les infos, en parlait à la radio, et faisait le taf de promo bien comme il faut. C’était un activiste impressionnant, une référence dans la scène rock-garage internationale, un altruiste, une âme bienveillante.

Qui a réalisé le graphisme très flashy de la couverture du numéro 9 ?

Ma pomme. Quelqu’un d’autre devait la réaliser, mais ça n’a pas pu se faire, alors je m’en suis occupée. J’ai dessiné, peint et photographié, avant d’utiliser un logiciel pour retoucher les contrastes, un peu à la Do it yourself quoi ! C’est pas très académique, mais je sais pas trop faire autrement. Photoshop ? J’essaie mais j’oublie instantanément. Les ratures, les débordements sont visibles. Ce n’est pas propre. Et tant mieux !

Couverture de DEAD GROLL #09 réalisée par Éléonore

On peut lire certains articles mentionnant le confinement. Est-ce que cette période t’a donné des impulsions d’écriture pour Dead Groll ? Des textes poétiques ont fait leur apparition dans ce dernier numéro…

Tout à fait, et j’aimerais que chaque nouveau numéro ait son lot de nouveautés. Dans le prochain Dead Groll, il y aura la suite du “Mâle”, le poème de Marc Sastre, qui est en deux parties. J’aimerais créer une rubrique cinéma, des encarts décalés. Un pote fait de la BD aussi… Pourquoi pas de petites histoires complètement barrées ? L’idée est toujours la même : féderer les savoir-faire de chacun pour faire un. Je n’ai plus envie que Dead Groll ne se résume qu’au rock’n’roll. Je ne veux pas d’un fanzine trop genré ou élitiste. Dans le numéro 9, il y a un article sur une chanteuse soul, et je veux pouvoir continuer cette ouverture sur d’autres esthétiques…

Que peut-on te souhaiter de meilleur pour l’avenir ? Qu’as-tu envie de dire aux lecteurs de cet article ?

Que Dead Groll déploie ses ailes aux quatre coins de la terre… (rire). Que le fanzine prenne un peu plus d’ampleur, qu’il acquière une micro renommée et qu’il puisse un jour être distribué au niveau national , dans le réseau des disquaires indés. Ça serait top !

Retrouvez toute l’actualité de Dead Groll ici et !

The Pixies, piliers de l’alt-rock

Grâce à « Surfer Rosa », les Pixies ont donné ses lettres de noblesse au rock alternatif émergent, en influençant un nombre considérable de groupes pendant les années 90.

La folle histoire des Pixies débute en 1984 à Boston, dans le Massachussets. Le chanteur Black Francis et le guitariste Joey Santiago se rencontrent alors qu’ils sont étudiants en économie à l’université, et partagent la même résidence universitaire. Francis ne jure que par la surf music et Santiago est un passionné de punk, bande-son de le rage qu’il ne tarde pas à faire découvrir à son ami. Ils composent quelques démos mais leurs balbutiements dans la musique s’arrêtent lorsque Black Francis émigre à Porto Rico pendant six mois pour suivre un programme universitaire. Cette expérience le marque considérablement et à son retour, il suggère à Joey d’arrêter ses études pour se consacrer entièrement à la musique. En 1986, ils diffusent une annonce dans un journal afin de recruter une bassiste et Kim Deal, qui n’a jamais touché une basse de sa vie, est la seule à répondre à l’appel. Les deux amis estiment qu’elle est la candidate idéale. Le batteur David Lovering rejoint la bande et The Pixies, nom trouvé en feuilletant le dictionnaire inspiré d’un elfe, voit le jour.

« Come On Pilgrim », 1987

Le groupe est repéré par le producteur Gary Smith de Fort Apache Studio qui a contribué à la reconnaissance des Throwing Muses, premier groupe américain à être signé chez 4AD et que The Pixies accompagnent en tournée. Ils enregistrent une cassette destinée à faire leur promotion auprès des maisons de disques, et Ivo Watts-Russel les signe. Le mini-album composé de huit titres Come On Pilgrim sort en 1987 et, bien qu’il ne soit pas officiellement reconnu comme leur premier album, détient déjà ce qui fait l’essence sulfureuse des Pixies : des paroles surréalistes ayant pour thèmes la religion, les déviances et l’ufologie chantées en anglais et en espagnol. Le voyage à Porto Rico est le fil rouge des textes de Black Francis et reste, tout au long de sa carrière, une source d’inspiration.

« Surfer Rosa », 1988. Le photographe Simon Larbalestier a réalisé les pochettes d’albums des Pixies.

En 1988 sort Surfer Rosa, considéré comme leur premier opus et à l’origine d’un succès retentissant – Come On Pilgrim étant resté confidentiel. Le disque est enregistré sous la houlette de Steve Albini – légendaire producteur de PJ Harvey et plus tard de Nirvana – et fait fureur, tant auprès du public que de la critique. The Pixies, c’est une signature musicale unique, étirant le rythme jusqu’à la schizophrénie, responsable de l’émergence de que l’on nommera « rock alternatif » ou « alt rock ». The Pixies, c’est un rock qui bondit, qui n’est pas stable. Au début de sa carrière, la bande ne se contient pas et laisse sa musique exploser de manière saillante. La batterie de Lovering lacère les morceaux, comme pour accompagner les paroles faisant référence à la mutilation. La guitare lo-fi ainsi que le chant démentiel, immodéré, alternent entre couplets lents, presque flous en comparaison avec les refrains rapides, bruts, donnant l’impression d’être déréglés à l’instar de « Break My Body » ou le hardcore « Something Against You », le tout avec brio. Mais The Pixies c’est aussi un sens de la mélodie très affûtée, comme en attestent les deux morceaux de l’album au succès planétaire : « Where Is My Mind », inspiré du monde marin et « Gigantic », interprété par Kim Deal, dont la voix n’a rien à envier à celle de Black Francis. Jaloux de ses prestations, il l’évincera du chant – le succès qu’elle connaîtra quelques années plus tard avec The Breeders permettra enfin aux auditeurs de savourer la voix de la chanteuse – et l’on peut déceler, dans ces rivalités, les prémices de la désintégration du groupe.

« Last Splash », The Breeders

The Pixies retournent en studio pour enregistrer Doolittle – album moins brut mais plus étoffé, ce que ne cesseront de perfectionner les musiciens sur leurs prochains disques Bossanova et Trompe le Monde – et c’est lors de la tournée qui succède la sortie de l’album que les dissensions s’intensifient entre les deux membres. En 1993, Black Francis annonce à la radio la fin des Pixies. Il enregistre des albums solos et Kim Deal connaît le succès avec The Last Splash, le deuxième album de The Breeders. Le groupe se reforme en 2004 pour de nombreuses tournées mais Kim Deal quitte définitivement la formation en 2013 et sera remplacée par Paz Lenchantin, bassiste du groupe A Perfect Circle.

Si le punk avait déjà ouvert les vannes d’une musique chaotique, The Pixies la prolongera avec leurs gimmicks contrastés de sons durs et pop jusqu’à en inspirer le grunge au début des années 90. Surfer Rosa est l’album de chevet de Kurt Cobain et il demandera à Steve Albini, de produire In Utero. The Smashing Pumpkins, PJ Harvey, et même David Bowie qui enregistre une reprise de « Cactus » sur Heathen, sont subjugués par la maîtrise électrique de cet album phare des années 90, dont l’efficacité demeure intacte trente ans après sa sortie. 


Les femmes à l’assaut du rap français

À la fin des années 70 dans le Bronx, alors que la situation sociale est catastrophique, le rap émerge en symbole de contestation. Les hommes s’en emparent, mais n’accordent qu’une faible visibilité aux femmes. Elles décident pourtant de se frayer un chemin sur scène, et les premières femcees – contraction de « female » et « emcees », maître de cérémonie en anglais – font entendre leur voix. Aux États-Unis, ces pionnières se nomment Sha Rock, The Sequence, ou Queen Latifah… Mais qu’en est-il dans l’hexagone ? Le rap fait ses balbutiements en France à la fin des années 80, mais le mouvement est aussi masculin qu’outre-Atlantique, et les femmes doivent redoubler d’acharnement pour gagner leur place dans un milieu étriqué. Voici cinq portraits de rappeuses qui n’en démordent pas, et se sont battues coûte que coûte pour exprimer leur flow.

Sté Strausz

Saliha, première à se jeter dans l’arène

Si la culture hip-hop commence à se développer en France au milieu des années 80, les femmes sont exclues ou reléguées au second plan car elles ne sont jamais créditées pour leur participation… Saliha rebat les cartes et change les règles du jeu. En 1987, âgée d’à peine 16 ans, elle est la première femme à se produire sur scène face à un public hargneux, essentiellement constitué d’hommes, et qui entend bien le rester. Dans le club qui l’accueille, Chez Roger – l’un des premiers à organiser des soirées rap dans la capitale – ses prestations sont tout de même saluées par New Generations MC’s, qui l’encouragent à persévérer.

Saliha

Sa position d’activiste cultive le respect et incite d’autres rappeuses à faire entendre leurs voix. En 1990, la compilation Rap Attitude est la première compilation rap à sortir en France, et Saliha est la seule femme invitée avec son titre « Enfants du ghetto ». Elle enregistre deux albums, Unique en 1991 et Résolument Féminin en 1994, mais sa carrière ne décolle pas, et son rôle de pionnière du rap n’est reconnu que par une poignée de personnes.

Sté Strausz, reine du rap intègre

Issue de la scène underground de Vitry-sur-Scène, Sté Strausz n’a que seize ans lorsqu’elle signe son premier EP en 1994, Sté Real. Produit par Sully B.Wax, ce mini-album marqué par le G-funk – sous-genre du hip-hop issu de la côte Ouest des États-Unis, influencé par le funk et l’atmosphère californienne – devient rapidement culte pour toute une génération de rappeurs.

Sté Real : premier EP en 1994

En 1997, elle participe à la compilation La haine, musiques inspirées du film, regroupant des morceaux inspirés du scénario de l’œuvre de Mathieu Kassovitz. Son premier album, Ma Génération, sort en 1998 et incarne le hip-hop intègre, axé sur des textes engagés et décapants. Sa voix puissante n’a rien à envier à ses homologues masculins, et ses punchlines acérées la hissent au rang des rappeuses françaises majeures. En 2010, elle coécrit avec Antoine Dole Fly Girls, Histoire(s) du hip-hop féminin en France, qui retrace le parcours de ces pionnières bien souvent restées dans l’ombre.

Le flow enragé de Casey

La rappeuse d’origine martiniquaise fait ses preuves au sein du collectif Anfalsh, aux côtés de B.James et Harry La Hache. Occupant une place à part dans le hip-hop hexagonal, elle récuse l’étiquette de « rappeuse française », et lui préfère celle de « rappeuse de fille d’immigrés » pour se qualifier. Dans ses textes, elle s’évertue à déboulonner le racisme, le passé colonial de la France ou l’oppression qui règne dans les quartiers.

Casey

Révélée en solo en 1997 avec son titre « La parole est mienne », Casey attend 2006 pour publier son premier EP Ennemi de l’ordre, non sans avoir multiplié les collaborations et s’être bâtie une solide réputation indépendante. En 2010, son troisième album solo Libérez la bête est acclamé par tous les amateurs de rap pour sa puissance incisive et sa réflexion sur les enjeux postcoloniaux.

Diam’s, le triomphe d’une femcee

Les années 2000 signent l’arrivée du rap entertainment en France, entraînant ses premiers succès commerciaux, mais rares sont les femmes sous le feu des projecteurs. Pourtant, l’une d’entre elles marque les esprits : Diam’s. Commençant à rapper très jeune, elle se sert de l’écriture pour combattre son passé chaotique et expier ses douleurs. Elle se fait un nom dans le milieu hip-hop à la fin des années 90 pour ses collaborations avec des figures de proue du rap : ATK et Lady Laistee.

Diam’s

Il lui faut pourtant attendre 2003 et la sortie de son deuxième album Brut de femmes sur le célèbre label Hostile (IAM, Youssoupha) pour être révélée auprès du grand public. « DJ », titre phare du disque, est formaté pour les pistes de dance et cartonne ; tandis que « Ma souffrance » témoigne de son passé de femme battue, la rappeuse étant très engagée dans la lutte contre les violences conjugales. Brut de femmes est certifié disque d’or et reste un an dans le top des meilleures ventes d’albums en France. Elle remporte même le prix du Meilleur album rap de l’année aux Victoires de la Musique en 2004 : une première historique pour une rappeuse !

Brut de femmes

Diam’s fait encore un coup d’éclat en 2007 avec Dans ma bulle, disque de diamant en 2007. Son single « La Boulette » fait fureur sur les ondes radio, s’écoule à 650 000 exemplaires, et gagne le prix de la « chanson francophone de l’année » aux NRJ Music Awards. En 2012 , elle annonce officiellement la fin de sa carrière musicale et publie son autobiographie.

Keny Arkana, l’esquisse d’un autre monde

Keny Arkana grandit à Marseille et connaît une enfance difficile. Ballottée de foyers en foyers, la fugue est son unique recours pour échapper à son enfer quotidien. À l’âge de douze ans, elle commence à rapper, et l’écriture devient son nouvel exutoire. En 1996, elle se fait connaître sur la scène underground phocéenne, notamment pour sa participation au sein du collectif État Major, véritable tremplin pour elle. Elle entame une carrière solo en 2003 et l’année suivante, elle fonde le mouvement La Rage du Peuple à Marseille. Ce collectif engagé utilise la colère à des fins positives, défend l’altermondialisme et lutte contre le traitement désastreux réservé aux banlieues.

Keny Arkana

En 2006, la rappeuse signe son premier disque chez le label indépendant Because Music (Booba, Casseurs Flowters). Grâce à une excellente promo, Entre Ciment et Belle Étoile fait le buzz, et Keny Arkana est adoubée par les amateurs de rap et le grand public. Son phrasé enragé descend en flèche l’oppression étatique, le racisme, et revendique son désir de vivre dans une société anticapitaliste. En dépit de ses textes contestataires, la rappeuse ne se définit pas comme une militante, et rejette en bloc les étiquettes politiques.

Quel avenir pour les rappeuses françaises ?

En 2020, les rappeuses émergentes telles que Chilla ou Shay connaissent un succès montant, sans pour autant atteindre la notoriété de Diam’s dans les années 2000. Souvent cantonnées au rap conscient, les Françaises ne jouissent pas de la même liberté que les Américaines. Si Nicki Minaj ou Cardi B sont ovationnées dans le pays de l’Oncle Sam, celles qui décident de s’approprier les codes du gangsta rap dans l’hexagone, en se dénudant et affichant explicitement leur sexualité, sont mises au rebut, à l’instar de Lisa Monet.

Les maisons de disques sont frileuses et refusent de signer les artistes en dehors des cadres tolérés par la société, qui sortent le public de sa zone de confort. Aujourd’hui encore en France, les rappeuses ne peuvent percer que si elles se conforment aux rôles que l’on attend d’elles : féministe mais sans excès, ni trop féminine, ni trop masculine. Le chemin est encore long avant que les femmes ne règnent sur le rap comme elles l’entendent…

Les oubliées de la folk : gloires à contre-temps

La musique folk apparaît entre les deux guerres aux États-Unis, et s’inspire de chansons traditionnelles ayant pour thème le labeur enduré au quotidien par le peuple. Elles sont remises au goût du jour grâce à des textes contestataires et poétiques, accompagnés d’instruments acoustiques. Au cœur des années 60 et 70, la folk est à son apogée. Nombreux sont les artistes à s’emparer d’une guitare pour chanter, mais peu de femmes sont reconnues pour leur talent. Certaines veulent percer dans la musique et enregistrent des disques qui ne bénéficient d’aucune promotion, tandis que d’autres ne chantent que pour elles-mêmes, et tiennent à rester confidentielles. Un point commun relie ces oubliées de la folk : leurs disques sont redécouverts au milieu des années 2000, et gagnent enfin l’estime du public. Plongez dans le récit de cinq destins de femmes hors du commun !

Vashti Bunyan

Karen Dalton, Colorado Blues

Née en 1937 en Oklahoma, Karen Dalton chante le folk et le blues, accompagnée d’un banjo ou d’une Gibson. Fraîchement divorcée, elle part pour New-York en compagnie de sa fille en 1960. Elles s’installent à Greenwich Village – quartier en pleine effervescence artistique – où elle joue des reprises de chansons folk traditionnelles dans des cafés. Son timbre vocal puissant lui vaut d’être comparée à Billie Holiday, et fascine Bob Dylan, qui ne jure que par elle. Hélas, dès que le public devient trop nombreux, Karen est angoissée et ne supporte plus de se produire en live. Avant qu’elle ne puisse percer, sa nervosité constitue un frein pour sa carrière. En 1962, alors que plusieurs artistes de la scène folk du Village enregistrent et connaissent leurs premiers succès, elle choisit de se retirer loin de la ville, pour s’installer dans les montagnes du Colorado où elle suit un mode de vie frugal pendant sept ans.

Karen Dalton et son banjo

Karen retourne à New-York en 1969 dans l’espoir d’enregistrer un disque, mais la scène folk a beaucoup évoluée depuis le début des années 60. Le producteur Nick Venet, subjugué par les prestations scéniques de la chanteuse à ses débuts, rêve secrètement d’enregistrer un disque avec elle. C’est donc lui qui produit son album It’s So Hard To Tell Who’s Going To Love You The Best. Tenant compte des peurs de Karen, il lui laisse prendre ses marques afin qu’elle se sente dans les conditions idéales pour réaliser le disque, enregistré en deux jours à peine! La majorité des morceaux sont des reprises qu’elle connaît sur le bout des doigts, et chantait dans son Colorado enchanté. Elle s’empare de ces titres pour leur offrir une interprétation bluesy et déchirante, qui ne s’inscrit pas dans les codes musicaux folk des années 60 et ne rencontre pas d’écho chez le public.

In My Own Time : second album de Karen Dalton

Après l’échec essuyé par son premier album, Karen est déçue mais n’abandonne pas la musique. En 1971, elle retente sa chance avec In My Own Time, produit par le bassiste Harvey Brooks au studio Bearsville à Woodstock, ville où elle vit depuis peu. Les titres de In My Own Time sont encore des reprises : certains sont des inédits qu’elle ajoute à son répertoire, mais d’autres figurent parmi ses chansons de chevet, à l’instar de « Katie Cruel ». Elle se réapproprie cette chanson traditionnelle datant de la Guerre d’indépendance d’une manière habitée, et marque l’esprit de ses auditeurs – en dépit d’un succès qui n’est toujours pas au rendez-vous, et annonce la fin de sa carrière. Karen développe alors une addiction à l’héroïne qui lui transmet le sida, et fait face à un cancer durant les huit dernières années de sa vie. Elle décède en 1993, mais connaît un succès posthume grâce aux rééditions de ses disques dans les années 90 et 2000. Elle incarne le symbole d’une chanteuse folk en marge pour ne pas avoir trahi ses idéaux artistiques, et incomprise de son vivant. En 2014, son ami et guitariste Peter Walkerréunit les textes de ses chansons – jamais enregistrés en raison de ses problèmes de santé – dans le livre Karen Dalton : Songs, Poems and Writing.

Vashti Bunyan, la marginale

Vashi Bunyan naît en 1945 à Newcastle, en Angleterre. Elle passe son enfance à Londres et part faire des études de dessin à l’université d’Oxford, dont elle est expulsée car elle préfère passer son temps à écrire des chansons. À l’âge de dix-huit ans, elle part à la conquête de New-York où elle découvre Bob Dylan : c’est une révélation pour la chanteuse en herbe. De retour à Londres, elle est repérée par Loog Oldham, le manager des Rolling Stones, qui veut faire d’elle la Marianne Faithfull de la folk. En 1965, elle enregistre une première démo Some Things Just Stick in Your Mind – au casting prestigieux : Keith Richards et Mick Jagger sont les paroliers, Jimmy Page est le guitariste. Elle nourrit le désir d’être la plus anti-commerciale possible, mais devient contre son gré une chanteuse en marge.

Désespérée par ses échecs successifs, elle abandonne la musique et quitte Londres en 1968 pour faire le tour de l’Écosse en roulotte avec sa jument, son chien, et son compagnon Robert Lewis. Elle retrouve Joe Boyd, producteur de l’opus Five Leaves Left de Nick Drake, qui s’était souvenu de sa voix lors d’une représentation. Il produit son album Just Another Diamond Day en 1970, aux côtés de l’arrangeur Robert Kirby qui a également travaillé avec le chanteur folk anglais. Édité chez Philips à quelques centaines d’exemplaires, sans aucune promotion, l’opus doit attendre le début du vingt-et-unième siècle pour être estimé par le public.

Just Another Diamond Day

Just Another Diamond Day est réédité en 2000 grâce au label Spinney. La chanteuse suscite l’admiration pour ses textes en connexion avec la nature et la contemplation, comme le suggère l’ode à la marche « Where I Like To Stand ». La voix douce de Karen berce ses auditeurs avec des contes plongés dans une dimension intemporelle. Alors qu’un revival folk bat son plein au cœur des années 2000, la chanteuse anglaise est enfin reconnue à sa juste valeur. Sa carrière est relancée, et elle enregistre deux albums chez Fat Cat Records (Sigur Rós) : Lookaftering en 2005 et Heartleap en 2014. Elle est invitée à collaborer sur les disques du chanteur folk Devendra Banhart et du groupe de folk-rock psychédélique Animal Collective.

Linda Perhacs, de la dentition à la chanson

Rien ne prédestinait Linda Perhacs à devenir chanteuse. À l’adolescence, elle passe son temps à écrire des chansons, activité que ses parents austères ne regardent pas d’un très bon œil. Après de brillantes études à Los Angeles, elle devient dentiste dans une clinique cossue de la ville. Proche du mouvement hippie, elle continue d’écrire des chansons au cœur de la nature, dès que sa profession le lui permet. La future chanteuse compte parmi ses patients un prestigieux compositeur de musiques de films : Leonard Rosenman ( La fureur de vivre, Barry Lyndon). Admirant la vivacité de Linda, il s’étonne qu’elle ne s’adonne pas à une activité artistique durant son temps libre. Elle lui révèle son goût pour la chanson, et il n’en faut pas plus au compositeur pour l’inviter dans son studio.

Rosenman découvre ses talents, et lui obtient un contrat avec le label Kapp Records pour qu’elle enregistre ses morceaux. Les thèmes oscillent entre l’échec amoureux et la solitude, comme sur le désespéré « Hey, Who Really Cares ». La nature est également à l’honneur sur « Chimacun Rain » qui célèbre la pluie. Sa voix cristalline redouble d’intensité sur les chœurs, et l’auditeur plonge dans un univers à la grâce poignante… Hélas le succès n’est pas au rendez-vous : le label ne s’occupe ni de la promotion du disque, ni d’organiser des concerts. Qui plus est, la qualité du pressage vinyle est médiocre. Parallelograms se perd dans la production artistique foisonnante des 70’s, et ne parvient pas à se démarquer. Comme elle ne peut vivre de sa musique, elle reprend sa vie d’avant, et continue d’être dentiste.

Parallelograms

En 2003, elle reçoit un coup de fil de Michael Piper, responsable du label The Wild Places, qui la recherche depuis deux ans. Il rêve de rééditer Parallelograms qui compte de nombreux adorateurs. Une première réédition voit le jour en 2005, puis une seconde paraît en 2008 chez Sunbeam Records. Elle devient une égérie folk citée comme influence par de nombreux artistes qui l’invitent à collaborer avec elle, parmi lesquels Devendra Banhart. Sa reconnaissance est tardive mais internationale, et lui offre l’opportunité d’enregistrer The Soul of All Natural Thing, en collaboration avec la multi-instrumentiste américaine Julia Holter. Quatre décennies après le début de sa carrière, la voix de Linda Perhacs n’a pas perdu de sa superbe, et ses compositions sont toujours aussi envoûtantes.

Sibylle Baier, folk confidentielle

Un mystère plane sur la biographie de Sibylle Baier, très peu documentée. Elle naît et grandit en Allemagne, qu’elle quitte au milieu des années 70 pour le pays de l’Oncle Sam et prend la nationalité américaine. En 1970, alors qu’elle vit encore dans son pays natal, elle enregistre quatorze chansons à la guitare acoustique sur son magnétophone, suite à un road-trip entre Gênes et Strasbourg. N’ayant pas l’intention de faire carrière, Sibylle Baier déménage aux États-Unis où elle se consacre entièrement à sa famille, et relègue ses chansons au placard.

Colour Green

En 2004, lors de son anniversaire, son fils Robby lui offre les bandes de ses titres gravées sur un CD, qui circule et atterrit entre les mains du label américain Orange Twin Records et l’édite en 2006. Sous le nom de Color Green, ses chansons de jeunesse ont pour toile de fond les instantanés mélancoliques de son quotidien, illustrés par des titres univoque « Remember the day » ou « I Lost Something In The Hill ». Quarante ans après avoir composé ces titres, et alors qu’elle ne s’y attendait pas, Sibylle Baier partage ses déceptions et ses doutes d’antan avec un public conquis.

La mystérieuse disparition de Connie Converse

Née en 1924 dans le New Hampshire, Connie Elizabeth Converse grandit dans une famille baptiste, et écrit des chansons pour transcrire ses états d’âmes. Dans les années 50, elle part vivre à New-York, dans le Greenwich Village, centre névralgique de la contre-culture. Elle nourrit l’espoir de faire carrière dans la musique, et travaille dans une imprimerie jusqu’au jour où elle quitte la Grosse Pomme, en 1961. À l’aube de son cinquantième anniversaire, elle fait une dépression, décide de changer de vie et de disparaître. Elle adresse une lettre à ses proches, entasse ses affaires dans sa voiture, et plus personne ne la revoit…

Alors qu’elle vit encore à New York, son ami créateur de dessins animés et producteur Gene Deitch enregistre les chansons qu’elle a écrites dans sa cuisine. Il est impressionné par son originalité, d’autant qu’à l’époque, les chanteurs de folk interprètent un répertoire traditionnel mais livrent rarement leurs textes. Pourtant Connie Converse se dévoile sans fard, à travers un registre intimiste. Trente ans après sa disparition, en 2004, Gene Deitch est invité dans une émission de radio new-yorkaise où il présente le titre élégiaque « One By One ». N’ayant jamais donné de concert ou de session studio, c’est la première fois que le public entend la voix de la chanteuse qui ne passe pas inaperçue. Dan Dzuda, un fan de jazz, la découvre alors qu’il est au volant de sa voiture. Subjugué par son talent, il tient à tout prix à faire connaître ses compositions au plus grand nombre. Il créé alors son label Squirrel Thing Recordings et édite en 2009 How Sad, How Lovely, composé de dix-neuf pépites. Connie Converse a beau avoir disparue, elle est tirée de l’oubli par cet admirateur, qui devine dans ses titres introspectifs sur la solitude et l’écueil des relations, le potentiel d’une grande dame folk.

Synthwave : la bande-originale du futur

Depuis son apparition il y a dix ans, la synthwave fait fureur ! Ce style musical rétrofuturiste puise son inspiration dans les années 80. Synthétiseurs, bandes originales de films d’horreur ou de science-fiction… Les codes visuels et sonores de la décennie sont réintroduits par le film Drive qui devient culte et lance le phénomène synthwave partout dans le monde. Sans Vangelis, Tangerine Dream ou Brian Eno, artistes à l’origine de l’identité électronique et cinématographique du mouvement, celui-ci n’existerait probablement pas.

Le film Drive pose les jalons de l’esthétique synthwave.

Le rêve cosmique de Tangerine Dream

Le groupe berlinois est une référence unanimement citée par les amateurs de synthwave. Edgar Froese, étudiant en peinture et en sculpture, créé le groupe en 1967. Il suit les cours du musicien contemporain Thomas Kessler au conservatoire de Berlin. Le compositeur offre à ses élèves l’opportunité de faire leurs marques au « Beat Studio » : lieu d’enregistrement dédié à la recherche sonore et à l’improvisation. Froese est le seul membre constant de Tangerine Dream ; si le line-up change très fréquemment, certains musiciens parmi lesquels Christopher Franke et Peter Baumann jouent un rôle majeur dans l’identité sonore du groupe.

Tangerine Dream

Au début des années 70, le claviériste Christopher Franke parvient à programmer l’un des premiers synthétiseurs disponibles sur le marché : le VCS3. Or, à cette époque, les claviers électroniques sont difficiles d’accès et réservés à un public aisé, capable d’en connaître les rouages. C’est ainsi qu’il rachète à Mick Jagger l’un des premiers Moog 3P, que l’icône des Rolling Stones est bien en peine d’utiliser. Le Mellotron, synthétiseur dont les sonorités sont issues de bandes magnétiques préenregistrées, est l’un des instruments fétiches des allemands. Maîtrisant le fonctionnement de la création analogique sur le bout des doigts, le groupe berlinois s’en sert pour improviser des morceaux électroniques lancinants, qui donnent naissance à des albums cultes tels que Rubycon en 1975. Ainsi, la musique planante et synthétique de Tangerine Dream insuffle à la synthwave sa dimension atmosphérique : le rêve de la mandarine est devenue cosmique.

Christopher Franke et ses synthétiseurs

Si Tangerine Dream fait date dans l’esprit des amateurs de synthwave, c’est parce que le groupe est responsable de la composition d’une trentaine de bandes-originales de films qui ont façonné l’identité des années 80. En 1978, le réalisateur de films d’horreur William Friedkin les découvre en concert à Paris, et désire que le groupe allemand compose la musique de son futur film : Sorcerer. Friedkin leur donne le scénario puis leur laisse une totale liberté pour la bande-son, réalisée sur bande magnétique. Le réalisateur est conquis et s’inspire des nappes électroniques pour perfectionner les séquences du film où Tangerine joue. Le film et la musique ne font qu’un, et la bande-originale de Sorcerer fait fureur auprès du public américain. En 2014, les berlinois jouent les titres du film lors d’un concert à Copenhague qui fait date pour les fans de Sorcerer. À cette occasion, la bande-son est rééditée avec l’aide de Cliff Martinez, qui compose la bande-originale très synthwave des films de Nicolas Winding Refn ! La musique de Sorcerer devient culte, grâce aux plages synthétiques sombres très prisées des réalisateurs de science-fiction ou d’horreur, et Tangerine Dream incorpore la production cinématographique des années 80, dont les aficionados de synthwave raffolent.

La dystopie synthétique de Vangelis

Enfant prodige, Vangelis commence à composer en autodidacte alors qu’il n’a que quatre ans. Pendant son adolescence au début des années 60, il joue dans des groupes de jazz et de rock qui connaissent un franc succès en Grèce. Il déménage en France pour monter le groupe Aphrodite’s Child avec Demis Roussos, et participe à mai 68 qui lui inspire l’album-concept Fais que ton rêve soit plus long que la nuit. Parallèlement, il commence à créer sa propre musique à l’aide de synthétiseurs. Après avoir publié son premier album solo Earth en 1973, il emménage à Londres où il fonde son propre studio et édite une série de disques – Heaven and Hell en 1975, Albedo 0.39 en 1976, Spiral en 1977 et Beaubourg en 1978qui mélangent rock progressif, musique classique et sonorités électroniques. Son style musical s’illustre par un éclectisme surprenant : il emprunte autant aux cordes utilisées dans la musique classique du passé, qu’aux synthétiseurs du présent et du futur, amplifiés par la réverbération. À l’inverse de Tangerine Dream qui compose sa musique à partir de séquences répétitives où se développent la mélodie, Vangelis fait un usage minimaliste des boucles et préfère enregistrer à partir de son clavier fétiche : le Yamaha CS80. Véritable figure de proue de la musique électronique pendant les années 70, Vangelis est l’un des influenceur majeur de la synthwave.

Vangelis dans son studio

Vangelis a gagné un nombre incalculable de récompenses pour ses musiques de films. En 1981, il compose la bande-son de la comédie dramatique anglaise Les Charriots de feu de Hugh Hudson, grâce à laquelle il rafle l’Oscar de la meilleure musique. Mais c’est sa rencontre avec Ridley Scott qui scelle son lien avec la synthwave à venir. Le réalisateur lui demande de composer la bande-originale de Blade Runner, film de science-fiction librement adapté du roman de PhilipK.Dick Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques ? Lors de sa sortie en 1982, le film est un échec aux États-Unis mais acquiert une renommée dans le reste du monde. En 1983, la bande-son de Blade Runner est nommée aux Golden Globe. Elle est saluée pour son ambiance teintée d’harmonies sombres, de sonorités futuristes et de musique classique, conformément aux souhaits du réalisateur. Blade Runner met plus de dix ans à atteindre le statut d’œuvre culte, et c’est notamment grâce à la sortie du film en version director’s cut, en parallèle de l’album de la bande-originale qui ne voit le jour qu’en 1994. L’univers synthwave s’inspire des gammes rétrofuturistes initiées par Vangelis, mais également du style visuel très cyberpunk du film. Aujourd’hui, le bijou de Ridley Scott est enfin reconnu comme l’un des films les plus influents de tous les temps, et est entré dans le temple de la pop-culture.

L’introspection électronique de Brian Eno

Musicien et producteur émérite, Brian Eno est l’un des compositeurs les plus influents du XXI ème siècle. Né en 1948 dans le Suffolk en Angleterre, il étudie la peinture et la musique expérimentale à l’école d’art de Winchester. Il se passionne pour l’art conceptuel et se penche sur les recherches sonores de John Cage et Steve Reich, dont il s’inspire pour ses premières créations expérimentales. En 1971, il rejoint le groupe de glam-rock Roxy Music, où son rôle évolue au fil des années. Assigné en premier lieu à la table de mixage, il chante dans les chœurs avant de devenir le claviériste attitré avec son synthétiseur EMS VCS3. En raison de son incompatibilité relationnelle avec le chanteur Bryan Ferry, il quitte Roxy Music.

Brian Eno dans les années 70

En 1978, il bouleverse le destin de la musique électronique à venir, en lui accordant un pouvoir introspectif dont s’inspirent certaines branches de la synthwave. Avec son album Music for Airports produit par Conny Plank, il invente le style « ambient » qui définit une musique réflexive, à l’atmosphère minimaliste et froide. En 1984, il affûte ses expérimentations ambient avec Thursday Afternoon : opus constitué d’un unique morceau d’une heure que la technologie émergente autorise sur CD. Il collabore avec de nombreux musiciens, et s’illustre par ses talents en réalisation artistique notamment pour la trilogie berlinoise de David Bowie composée de Low et Heroes en 1977, puis de Lodger en 1979.

Music For Airports : l’acte fondateur de la musique ambient

En 1984, David Lynch adapte le premier tome du cycle de Dune écrit par Frank Herbert. Brian Eno est invité en tant que producteur de la bande-originale du film, enregistrée avec le groupe de rock américain Toto et l’Orchestre symphonique de Vienne. Tous les morceaux sont composés par Toto à l’exception de « Prophecy Theme » qui hante le film par sa dimension irréelle, plongeant l’auditeur dans un univers résolument ambient.

Les collaborations iconiques de PJ Harvey

Égérie rock des années 90, la chanteuse et multi-instrumentiste anglaise réussit le pari de se renouveler à chaque nouvel opus. Son influence capitale sur les Musiques Actuelles se ressent dans les œuvres de nombreux musiciens contemporains. Pour explorer les mille facettes de cette artiste-caméléon, voici les moments forts de sa carrière, décryptés à travers le prisme de ses collaborations.

John Parish, le compagnon du Somerset

PJ Harvey et son musicien fétiche : John Parish

Polly Jean et John Parish ont plus d’un point commun. Ils grandissent tous deux dans la ville de Yeovil, dans le Somerset, au Sud-Ouest de l’Angleterre. Dans les années 70, Parish gagne sa vie en donnant des cours de guitare. Un beau jour, il décide de créer un atelier de musique moderne à l’école des Beaux-Arts de Yeovil, où la future chanteuse étudie la sculpture. Afin de mettre en théorie sa pratique, il fonde le groupe de rock Automatic Dlamani où, encore adolescente, PJ Harvey fait ses gammes à la guitare. Celle qui ne savait plaquer qu’une poignée d’accords avant de rencontrer Parish aguerrit sa pratique, jusqu’à dépasser son maitre lorsqu’elle s’envole de ses propres ailes pour enregistrer son premier album Dry, en 1992. Respecté pour son travail exigeant, Parish est le collaborateur idéal pour l’Anglaise, soucieuse de se renouveler à chaque nouvelle production. Il a pour habitude de réaliser ses compositions expérimentales en solitaire, dont Polly Jean s’inspire pour écrire ses paroles. Présent en tant que producteur et musicien sur la majorité de ses disques, Parish enregistre deux albums en duo avec PJ Harvey : Dance Hall at Louse Point en 1996 et A Woman a Man Walked By en 2009.

Björk, rebelle en puissance

S’il y a une autre icône qui est aussi habile et inventive que PJ Harvey, c’est bien Björk. En 1994, les deux chanteuses aux voix d’or sont invitées à la cérémonie des Brits Awards, et leur prestation ne laisse pas la salle indemne…. Elles font fureur auprès du public grâce à une reprise endiablée de « Satisfaction » des Rolling Stones. Le succès est tel qu’un enregistrement du single est prévu, mais Allen Klein, l’ancien manager des Rolling Stones, s’y oppose farouchement. C’est lors de cet événement que le grand public découvre réellement PJ Harvey.

Nick Cave, l’amant terrible

En 1996, Nick Cave and The Bad Seeds enregistrent Murder Ballade, un recueil de ballades sur le thème du meurtre. Inspirées par des chansons populaires des pays anglo-saxons, elles livrent avec force détails le récit de crimes passionnels. Le chanteur australien invite PJ Harvey en duo sur « Henry Lee », titre inspiré du chant traditionnel « Young Hunting », qui raconte l’histoire d’une femme assassinant son amant parce qu’il n’est pas amoureux d’elle. Les deux artistes vivent une idylle passionnelle lors de l’enregistrement du disque, mais elle bat rapidement de l’aile. Profondément blessé par leur séparation, Nick Cave dédie l’album The Boatman’s Call à sa relation avec la chanteuse.

Le trip lancinant de Tricky

Alors qu’il s’attèle à la composition de son album Angels With Dirty Faces, le musicien anglais contacte PJ Harvey, signée chez le label Island Records comme lui. Il lui envoie une démo de « Broken Homes », morceau sombre et planant qu’il a écrit tout spécialement pour qu’elle l’interprète. Elle retravaille sa voix afin de se fondre dans l’atmosphère désabusée du disque.

Errance citadine avec Tom Yorke

Au tournant du nouveau siècle, PJ Harvey délaisse le rock rugueux des débuts, et signe un renouveau pop qui séduit plus d’auditeurs. Sorti en 2000, Stories From The City, Stories From The Sea, est parsemé de références à la ville, entre grâce et tourments. Fan de Radiohead et de la voix de Tom Yorke, PJ Harvey l’invite à chanter en duo sur le titre envoûtant « This Mess We’re In », où la Grosse Pomme est symbole de désir et de désordre. Polly Jean frappe fort, avec des ventes estimées à un million d’exemplaires pour cet opus qui signe son plus gros succès commercial. Disque de platine avec 300 000 disques vendus au Royaume-Uni, disque d’or en France écoulé à 100 000 exemplaires… Il n’en faut pas plus à la chanteuse pour être la première femme à rafler un Mercury Prize, récompense annuelle qui consacre le meilleur album anglais de l’année.

Pascal Comelade, frenchy fan

En 2016, le chanteur et pianiste français réédite L’Argot du bruit, initialement paru en 1998. Il décide de remanier l’album en réenregistrant plusieurs de ses titres. Fan de la voix de PJ Harvey, il l’invite à chanter en duo sur le titre inédit « Featherhead ». L’Anglaise collabore également à l’écriture des titres « Love Too Soon » et « Green Eyes », sur lesquels elle pose sa voix.